A diferencia de otros animales, el ser humano posee algo único y diferenciador: la posibilidad de crear arte. En nuestro intento por alejarnos del mundo animal, buscamos dominar nuestras pasiones y estas, inevitablemente, se transforman en vicios o pecados guiados por las prácticas morales, éticas y religiosas. Pero ¿cómo reflexiona y representa las pasiones el arte más actual? Es más, ¿qué es el arte contemporáneo? ¿Y el arte conceptual? ¿Cuáles son las nuevas técnicas artísticas?Para responder estas inocentes y a la vez tan complicadas preguntas, Óscar García García nos invita a un viaje a través de los siete pecados capitales de la mano de varios de los artistas más importantes (e irreverentes) de nuestro tiempo.

Vincent van Gogh’s life and work are so intertwined that it is hardly possible to observe one without thinking of the other. Van Gogh has indeed become the incarnation of the suffering, misunderstood martyr of modern art, the emblem of the artist as an outsider. An article, published in 1890, gave details about van Gogh’s illness. The author of the article saw the painter as “a terrible and demented genius, often sublime, sometimes grotesque, always at the brink of the pathological.” Very little is known about Vincent’s childhood. At the age of eleven he had to leave “the human nest”, as he called it himself, for various boarding schools. The first portrait shows us van Gogh as an earnest nineteen year old. At that time he had already been at work for three years in The Hague and, later, in London in the gallery Goupil & Co. In 1874 his love for Ursula Loyer ended in disaster and a year later he was transferred to Paris, against his will. After a particularly heated argument during Christmas holidays in 1881, his father, a pastor, ordered Vincent to leave. With this final break, he abandoned his family name and signed his canvases simply “Vincent”. He left for Paris and never returned to Holland. In Paris he came to know Paul Gauguin, whose paintings he greatly admired. The self-portrait was the main subject of Vincent’s work from 1886c88. In February 1888 Vincent left Paris for Arles and tried to persuade Gauguin to join him. The months of waiting for Gauguin were the most productive time in van Gogh’s life. He wanted to show his friend as many pictures as possible and decorate the Yellow House. But Gauguin did not share his views on art and finally returned to Paris. On 7 January, 1889, fourteen days after his famous self-mutilation, Vincent left the hospital where he was convalescing. Although he hoped to recover from and to forget his madness, but he actually came back twice more in the same year. During his last stay in hospital, Vincent painted landscapes in which he recreated the world of his childhood. It is said that Vincent van Gogh shot himself in the side in a field but decided to return to the inn and went to bed. The landlord informed Dr Gachet and his brother Theo, who described the last moments of his life which ended on 29 July, 1890: “I wanted to die. While I was sitting next to him promising that we would try to heal him. [...], he answered, ‘La tristesse durera toujours (The sadness will last forever).’”

La revolución y la invitación a vivir la vida como si fuera una eterna fiesta, una soireé turbulenta y excitante, son los temas que explora el autor. Además del impacto de las vanguardias en sociedades cada vez más ávidas de experiencias fuertes, espectáculos emocionantes, aventuras transgresoras y actitudes rebeldes.

Del autor de Horizontes estéticos y Pensar la realidad, Carlos Granés.

Premio Internacional de Ensayo Isabel Polanco 2011.

A inicios del siglo XX, en la apacible y neutral Suiza, convivieron dos grupos revolucionarios: los primeros -bajo la férula de Lenin- se proponían transformar la sociedad, la economía y la política; los segundos -agrupados en el dadaísmo- se preparaban para alterar las mentes, las costumbres, los valores y la forma de vivir de las personas. ¿Cuáles fueron los desenlaces de esas revoluciones? La socialista se derrumbó en los años ochenta tras la caída del Muro de Berlín y el colapso de la Unión Soviética. La segunda, la de las vanguardias, se enfrentó a un destino paradójico: a pesar de que cada una de las batallas utópicas condujo a la derrota, sus acciones lograron imponerse y ganar adeptos.

Carlos Granés ofrece al lector el recuento de las corrientes vanguardistas (desde la irrupción de Marinetti y el futurismo hasta los "jóvenes indignados" de España) y sus protagonistas, y se adentra en los distintos espacios donde se han hecho presentes: las artes plásticas -con Duchamp a la cabeza-, la literatura -desde el dadá hasta los beats y obras más recientes-, las propuestas educativas -como Black Mountain College-, la música experimental y "popular" -como ocurre con los trabajos de John Cage y de los Sex Pistols- e, incluso, en algunos movimientos sociales como el hippismo y análisis sociológicos como el situacionismo.

Lo que ha dicho la crítica:

"No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del siglo XX como lo ha hecho Carlos Granés en El puño invisible. Lo he leído con la felicidad y la excitación con que leo las mejores novelas". -Mario Vargas Llosa.

"El puño invisible es un libro brillante y raro en nuestra lengua. Una espléndida historia de las corrientes estéticas del siglo XX que encierra también una espléndida historia de las ideas políticas".-Ramón González Férriz, Letras Libres.

"Por la importancia del tema, la amplitud y la profundidad de la documentación y la creatividad con que la maneja, por la calidad de su escritura -rica, amena, apasionante-, el jurado consideró que Carlos Granés Maya debía ser galardonado con el Premio Internacional de Ensayo Isabel Polanco 2011". -Extracto del acta del jurado compuesto por Fernando Savater, Gonzalo Celorio, Héctor Abad Faciolince, José Balza, Rafael Rojas y Margarita Valencia.

En catorce crónicas, que son también ensayos sobre literatura y arte desde o sobre México, Ojos herejes examina los procesos intelectuales de la creación y cuestiona la momentánea fe que nos exige el arte.

El itinerario de Sergio Rodríguez Blanco nos recuerda a las mejores páginas de sus dos modelos del viajero intelectual: el José Vasconcelos del Ulises criollo y el Sergio Pitol de El arte de la fuga. El autor nació en España, pero desde hace años habita en México en un mundo fluido: sale a caminar por el centro de la Ciudad de México y de pronto lo acompañamos a una lección de arte contemporáneo en la bienal de Venecia. Nos revela los secretos de la casona que inspiró El amor en tiempos del cólera de García Márquez y luego, con Pedro Friedeberg, nos descubre la dimensión artística del papel higiénico. Desentraña el misterio de una película que Federico Fellini jamás rodó (pero que derivó en un delirante viaje por México) y páginas después, con el escritor italiano Pino Cacucci, Sergio comprende que volver a México es una forma más de reiniciar el viaje.

-Del prólogo de Oswaldo Zavala

"El ojo, si es hereje, puede traspasar el velo de los discursos dominantes, los estereotipos, las cegueras y ensoñaciones que hemos naturalizado." -Del capítulo El polvo y el gorila

Una reconstrucción de la biografía de un edificio icónico -seguramente el más representativo de Barcelona- y del hombre que le dio vida.

Antoni Gaudí es uno de los arquitectos más influyentes del último siglo. Amado y denostado a partes iguales, podríamos afirmar que su obra se cuenta entre las que han sufrido mayores malinterpretaciones en la historia reciente: mientras algunos -Pablo Picasso o George Orwell, entre ellos- le dedicaban terribles adjetivos, otros quedaban cegados por la belleza de sus creaciones, incapaces de ir más allá del innegable atractivo de sus fachadas.

Inteligente y desmitificador, este libro busca hacer justicia con la que es, sin lugar a dudas, su obra maestra, a la que Gaudí dedicó la mayor parte de su vida. Inspirada por un arquitecto tan genial como contradictorio, capaz de aunar la inventiva más auténtica y revolucionaria con la sencillez del arte popular, La Sagrada Familia constituye un sobresaliente trabajo de divulgación histórica que nos habla de la aventura de construir un templo en pleno siglo XX, de forma artesanal, en una ciudad azotada por diversas revueltas sociales y anticlericales, y con el mecenazgo casi exclusivo de feligreses de clase humilde.

La crítica ha dicho...
«Radicalmente alejado del academicismo de su biografía oficial, La Sagrada Familia. El paraíso terrenal de Gaudí es una apasionante crónica sentimental de la geografía mediterránea fusionada con una rigurosa cartografía de las obras de Gaudí.»
El Mundo

Reseñas a la obra de Gijs van Hensbergen Antoni Gaudí:
«Su estudio sobre Gaudí es un hito, al ser el más completo, ambicioso y documentado de los publicados hasta hoy.»
El Cultural

«Gijs van Hensbergen ha escrito una biografía sobre Gaudí enormemente estimulante.»
The New York Times

«Van Hensbergen ha conseguido una biografía deslumbrante, meticulosamente documentada, organizada con elegancia, fluidez y claridad. Un revelador fragmento de historia social.»
Chicago Tribune

«Minuciosa, apasionada y fascinante. El relato de un genio solitario: inspirado, impredecible, inolvidable.»
The Observer

«Un libro que brilla por su inteligencia.»
San Francisco Chronicle

Ideal para estudiantes o amantes del arte, esta divertida y sencilla guía te acerca a los movimientos y períodos artísticos más importantes, te explica la evolución del arte en cada época y te desvela los secretos de la obra de los grandes genios, desde Miguel Ángel hasta Picasso, pasando por Vincent van Gogh o Velázquez. Visitarás las cunas del arte y comprenderás la influencia del pensamiento, la religión, la política y la sociedad en él. Cuando termines de leer este libro, mirarás el arte con otros ojos. • Arte de todos los tiempos — las manifestaciones artísticas de todo tipo, desde la prehistoria hasta la actualidad • Pautas para analizar con ojo crítico — aprende las claves de la iconografía y la iconología • Conecta con el artista — descubre su intención y qué quiere transmitir con su obra • Sal a la calle, visita museos — ¡observa tu entorno y pon en práctica todo lo que te sugieran estas páginas!

Desde la escandalosa Roma del Renacimiento hasta Inocencio X y el asentamiento del Barroco: Conozca la Roma contrarreformista, la vida viciosa que impulso a Lutero, las costumbres licenciosas, el nepotismo pontificio desde los inicios del siglo XVI hasta mediados del XVII, una época marcada por profundos cambios culturales, religiosos y sociales, con grandes pensadores, científicos y artistas. 
Con los papas de finales del siglo XV se llega al máximo esplendor de la Roma renacentista viciosa y corrupta. La capital de la cristiandad contaba casi con tantas prostitutas como eclesiásticos. Lutero la visitará en 1510, y diez años después se lanzará a combatirla con todas sus fuerzas. La Ciudad Eterna corría el peligro de verse marginada y los pontífices emprenden todo tipo de medidas, como la decoración de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, para recuperar el prestigio de Roma.
La profunda crisis de la Iglesia católica en Europa aumenta la animosidad contra Roma hasta el devastador saqueo por las tropas luteranas de Carlos V en 1527. A partir de Pablo III se retoma la política de esplendor monumental: Arte contrarreformista, esplendoroso y a la vez puritano. Paralelamente, Pablo III convocó el concilio de Trento, intentando reformar el conmocionado mundo católico.
Los intentos de hacer más bella a Roma coincidieron con el deseo de regeneración moral y espiritual, encarnado por hombres como Ignacio de Loyola, quien en 1540 fundó la Compañía de Jesús, que pronto se convertiría en una de las principales herramientas de reconquista religiosa.

La verdadera historia detrás del Tesoro de los Quimbayas

En 1890, un grupo de guaqueros desenterraron sobre el río La Vieja, en el Quindío, un conjunto de piezas hechas en oro. Estatuillas de hombres y mujeres desnudos, cascos con figuras en relieve, poporos en forma de fruta e instrumentos musicales, eran parte de los deslumbrantes objetos. Habían sido puestos allí como ofrendas funerarias por el pueblo Quimbaya y luego de siglos bajo tierra volvían a brillar con la luz.

A este grupo de piezas de admirable manufactura se le conoce como el Tesoro de los Quimbayas y este libro, del historiador del arte Pablo Gamboa Hinestrosa, reconoce el contexto cultural al momento de su extracción, traza su biografía y trata los asuntos artísticos de su orfebrería. Con las excepcionales fotografías de Juan Mayr, la historia del Tesoro conecta la obra de maestros orfebres precolombinos con el tiempo presente.

Un maestro de la crítica nos guía por el arte del siglo XX

En las críticas aquí reunidas se dan cita diversos artistas, personajes y movimientos artísticos. J. F. Yvars prodiga sus amplios conocimientos de historia del arte y ofrece una magnífica retrospectiva del arte moderno en la que nos invita a reflexionar sobre el hedonismo y la sensualidad en la obra de Matisse, la deformación pictórica en la de Bacon, la estética visionaria de Balthus, el genio creador de Picasso o las provocaciones de Duchamp. Además, el discurso de Yvars dialoga con pensadores de la talla de Benjamin, Adorno o Clark.

Sobre el autor y su obra:
«Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»
ABC

«Yvars no habla solo de arte, sino que lo inserta siempre en el mundo cultural contemporáneo.»
Josep Maria Castellet, El País

Les portraits, les nus et les natures mortes de Tamara de Lempicka (1898-1980) résument l’esprit Art déco et Jazz Age. Ils reflètent le style de vie élégant et hédoniste d’une élite fortunée et glamour dans le Paris de l’entre-deux-guerres. Combinant une formidable technique classique et des éléments empruntés au cubisme, Tamara de Lempicka représente à l’époque le summum de la modernité, tout en s’inspirant de grands maîtres portraitistes comme Bronzino et Ingres. Ce livre célèbre la beauté rationnelle de ses meilleurs travaux réalisés entre 1920 et 1930. Il retrace l’histoire de la vie extraordinaire de cette femme séductrice et talentueuse du début du siècle en Pologne et dans la Russie des tsars, ainsi que celle de ses années glorieuses à Paris et de ses longues années de déclin aux Etats-Unis jusqu’à sa redécouverte triomphante dans les années 70, lorsque ses portraits devenaient des icônes emblématiques mondialement connues.

La vida y la obra de Vincent van Gogh están tan entrelazadas que es casi imposible ver sus pinturas sin leer en ellas la historia de su vida: una vida de la que se habló tanto que ya se ha convertido en leyenda. Van Gogh es la encarnación del sufrimiento, un mártir incomprendido del arte moderno, el emblema del artista como un extraño. «Cuando vives con otros y se vinculan sentimientos de afecto, entonces te das cuenta de que tienes una razón para vivir, que no puedes ser totalmente despreciable y prescindible, sino que eres quizá bueno para algo, dado que nos necesitamos mutuamente y viajamos juntos como compañeros de viaje. Pero nuestro debido sentido de autoestima también depende en gran medida de nuestra relación con los demás. Como un prisionero condenado a la soledad, al que se le impide trabajar, etc., a largo plazo, sobre todo si el plazo es demasiado largo, sufrirá los efectos con la misma certeza que alguien que ha pasado hambre por mucho tiempo. Al igual que todos los demás, necesito relaciones amistosas y afectivas o compañerismo íntimo y no soy de piedra ni hierro como una bomba o un poste…»