El óleo sobre lienzo Retrato de Zenobia es obra del pintor Juan

Bonafé (Lima, 1901 - Las Palmas de Gran Canaria, 1969). Bonafé conoció a
Zenobia y a Juan Ramón Jiménez, con quienes le unió una gran amistad incluso
durante el exilio del poeta. La relación entre Jiménez y Bonafé es conocida,
tanto por sus colaboraciones como por las cartas que se cruzaron, insertas en
los epistolarios de la Universidad de Río Piedras y en sus Archivos. Pertenece
a los artistas murcianos de la Generación de los 20, el «grupo de Murcia»,
junto con Pedro Flores y Ramón Gaya, los más relevantes de aquella pléyade de
artistas. La obra más destacada de Bonafé es la que tiene como tema principal
el paisaje; sin embargo, también sobresalen sus retratos. En ellos utiliza
veladuras que suavizan la pintura, aunque el dibujo es determinante. En su
estilo coexisten la concepción subjetiva de la imagen y la yuxtaposición de
los presupuestos realistas, hasta el punto de que es considerado precursor del
hiperrealismo. Profusamente ilustrado.

El óleo sobre lienzo titulado Peces, de Benjamín Palencia, fechado en 1923 y
que el artista dedica a Juan Ramón Jiménez, representa un conjunto de cuatro
peces, con impactante belleza y riqueza cromática. Son peces -naturaleza viva-
en los que están presentes todos los pigmentos de la paleta, desde el blanco
al azul intenso y puro. Con una fuerte carga de expresividad, se sitúa
estilísticamente en la etapa de la renovación formal de la pintura de los años
veinte. Palencia, una vez más, adopta un punto de vista próximo que nos acerca
a la naturaleza de las cosas, es la pintura con los materiales la protagonista
de lo que representa. Tiene rasgos surrealistas y a la vez noucentistas. El
tratamiento y las formas evocan al modernismo gaudiano, como si las pinceladas
fueran teselas vidriadas, y del cromatismo más vibrante y puro. Recuerdan,
abiertamente, los animales y seres idealizados por Antoni Gaudí. Es la materia
pura la que se expresa más allá de lo que representa. Profusamente ilustrado.

¿Cuál es la verdadera identidad que se esconde tras el cuadro más famoso del mundo?

Existen al menos cinco referencias históricas reales que certifican la existencia de un retrato femenino de manos de Leonardo da Vinci. Un encargo que, al parecer, nunca entregó. Sin embargo, a la hora de identificar a la modelo de la Gioconda, las palabras de Agostino Vespucci, Antonio de Beatis, Giorgio Vasari, Cassiano dal Pozzo y el Anónimo Gaddiano no coinciden.

¿A qué retrato se refieren cada uno de ellos? ¿Al cuadro que exhibe el Museo del Louvre en París y que mundialmente se reconoce como Lisa Gherardini, la esposa de Francesco del Giocondo, o por el contrario al retrato que hoy en día cuelga en las paredes del madrileño Museo del Prado? ¿Son compatibles ambos retratos? ¿Coinciden esas imágenes con el resto del imaginario de la Gioconda, tales como La Mona Lisa de Isleworth o La Monna Vanna? ¿Es Leonardo elcreador de cada una de estas representaciones femeninas? ¿Cuáles son los enigmas que esconde la Gioconda y cómo se gestó su ascenso meteórico a la fama?

A través de estas páginas examinaremos la situación global del rol femenino en el Renacimiento, descubriremos a mujeres brillantes que la historia eclipsó, pondremos en valor el papel de la mujer en la evolución del retrato en la Historia del Arte y analizaremos todas las teorías que eruditos, historiadores y expertos en arte han elaborado en torno a la representación femenina en la obra Leonardo da Vinci con el propósito de encontrar la verdadera identidad del retrato más conocido de la historia de la humanidad: la Gioconda.

Lo que la crítica ha dicho de Leonardo da Vinci -cara a cara-:
«Un profundo estudio histórico y artístico en busca del verdadero rostro de Da Vinci.»
David Zurdo, Qué Leer

«Christian Gálvez tiene algo de hombre del Renacimiento. Su curiosidad innata, el respeto a los clásicos y su capacidad de trabajo le han granjeado no solo una legión de seguidores, sino la consideración de los mayores especialistas de la historia y el arte de ese tiempo.»
Alberto Frutos de Dávalos, Revista Historia

«Cuando un outsider llama a las puertas de la comunidad científica y estas se abren, será por algo. Una de las mejores mezclas de rigor y pasión que he leído.»
Jorge Alcalde, QUO

El carácter intemporal y universal de la forma y su permanencia en el tiempo a través del diseño popular ofrece un nuevo acercamiento a la identidad y al sentido de lo humano, planteada en esta tesis desde el caso abulense. El lenguaje de la forma, la escultura, se presenta así como un proceso creativo innato y necesario de nuestra naturaleza, capaz de permanecer en el tiempo como testigo y conexión de personas más allá del tiempo y el espacio. Este es el sentido de estas tesis que parte de un espacio concreto, Ávila, para ofrecer unas conclusiones con repercusiones universales al plantear un viaje al sentimiento, la emoción y la racionalidad desde la contemplación reflexiva que nace con la necesidad del universal proceso creativo. Dos momentos marginales respecto de la tradicional concepción artística oficialmente aceptadas son los elegidos para desarrollar este trabajo por permitirnos acercarnos a la esencia de conceptos como identidad, supervivencia y creación. Hablamos del primitivismo que cronológicamente nace con los primeros gestos plásticos del ser humano hasta la integración de la cultura desarrollada en estas tierras dentro del contexto más amplio y dirigido de la romana. Como disciplina artística, la escultura permite una mirada diferente a la científica, capaz de estudiar elementos de indudable valor artístico por su belleza, concreción, poesía expresividad de la forma, la materialización de azar e intención... Aspectos que transforman aparentes objetos anodinos, más allá de su valor histórico y testimonial, en fuentes de contemplación, conocimiento y disfrute artísticos que superan incluso la inicial validez funcional en aquellos casos en los que así la hubo. Hablamos de la vitalidad que podemos percibir desde su presencia como elementos artísticos. Estamos condicionados por nuestra propia actitud cultural a la hora de contemplar un objeto. Somos herederos del clasicismo, pero también de una identidad menos reconocida y transmitida, entre otros, por manifestaciones como el arte popular que surgió con las primeras manifestaciones artísticas y que se ha mantenido hasta nuestros días. Es, por lo tanto, el estilo artístico de mayor presencia en cualquier cultura cuya esencia creativa ha conservado el mismo sentido arcaico y primitivo que poco a poco hemos ido olvidando para volver a buscarlo desde la contemporaneidad. Tres caminos temáticos complementarios nos llevan a profundizar en el tema hasta llegar a las conclusiones finales: Materiales y técnicas, temática y aspectos formales. En todos ellos se profundiza en la esencia íntima común tanto a lo primitivo y a lo popular como consecuencia de las particulares relaciones humanas de ambos momentos en relación al ambiente natural y también al económico-social caracterizado por una economía de autoabastecimiento. En lo cultural, la inusual adquisición de materiales y elementos que podemos denominar como «exóticos» aportarán protagonismo ornamental y simbólico, en contraste con el trabajo más habitual condicionado por la asequibilidad de materiales y el mayor desarrollo de sus técnicas vinculadas, que influidos también por una temática común, vinieron a producir resultados formales característicos, incluso transmitidos por tradición y buscados por el autor en cada nueva creación.La facilidad de técnicas como la incisión o el grabado, pero también la sencillez y contundencia de algunas formas provocan una asimilación más rápida y profunda en el inconsciente formal. Estas características condicionan una concepción formal que camina con cierta soltura entre los ámbitos de la abstracción y la figuración, sin llegar nunca a niveles altos de realismo y que en algunas ocasiones adquieren un protagonismo en su relación con los materiales muy próximos a los presupuestos escultóricos propugnados por concepciones y movimientos de gran vitalidad plástica del siglo XX. El concepto y el tema se unen íntimamente para desarrollar un juego más o menos complicado de lecturas icónicas según los casos. La vitalidad de la forma se renueva a lo largo de la historia con cada nueva mirada, que también, a la larga, llega a producir confusión y empobrecimiento por la pérdida de referentes originales. El tema supone la adecuación de la forma a su utilidad, tanto en relación a la funcionalidad de la vida cotidiana, como con los aspectos más intangibles de la existencia desde la proyección de la personalidad artística del autor y por extensión de la comunidad en la que vive inmerso, tal y como seguimos creando hoy. Desde la observación analítica deducimos los muchos valores y elementos que unen a autores de diferentes épocas y espacios por encima del nivel consciente. Esta idea nos plantea unas interesantes y poco conocidas relaciones humanas cuyo testimonio se mantiene a través del arte popular. Hablamos de una manifestación artística nacida con los tiempos humanos, aglutinadora de conceptos y temas pese a la distorsión ya mencionada por la pérdida o transformación del código original. No sucedió así con el diseño de formas y dibujos que se han venido transmitiendo en un estado formal bastante puro, a pesar de las modificaciones propias de la manipulación individual o de la adaptación en función del momento y sus circunstancias. Un acontecimiento fundamental es la presencia del hito, elementos que incluso llegarán a ser adoptados para trascender hasta la expresión culta como símbolos identificativos y expresión de los mismos impulsos intemporales aunque materializados bajo diferentes advocaciones. Podemos afirmar que, aunque el arte popular es bastante fiel a la forma y al diseño, lo es aún más a su esencia, lo cual explica la permanencia de una misma personalidad a través de piezas con diferentes grados de barroquización. Podemos concluir afirmando que nuestra experiencia creativa y apreciativa es universal, pero necesitamos volver a los orígenes desde nuestros actuales planteamientos para reencontrarnos con nuestra propia naturaleza humana, comprender nuestra necesidad creativa, revalorizar los valores artísticos y la trascendencia del hecho creativo, potenciar el conocimiento y desde todo ello, crecer como comunidad particular y global.

C´est à travers un bref  compte-rendu du développement des techniques de plongée et de leur application dans le cadre des travaux d´exploration archéologique sous-marine, qu´a lieu une réflexion à propos de l´importance que revêt l´enregistrement systématiquement des restes culturels submergés, aussi bien dans les eaux intérieures (lacs, lagunes, rivières et cenotes ou puits naturels) que dans les eaux extérieures (mers et océans). Cette étude souligne aussi les particularités et les défis du travail réalisé dans des conditions différentes : le manque de visibilité, l´existence d´une faune dangereuse, les courants changeants, les basses températures, les zones profondes ou bien les limitations qu´impose l´usage de réservoirs pour pouvoir respirer sous l´eau. Les techniques archéologiques employées dans ce contexte avec des conditions variables sont également décrites.

El presente libro busca dar una mirada al concepto de ingeniería desde cuatro núcleos principales: 1. Historia y desarrollo de la ingeniería: contiene el conocimiento necesario para entender los orígenes de la ingeniería y su evolución hasta nuestros días. 2. Fundamentación científica de la ingeniería como disciplina y los aspectos tecnológicos de las diferentes ramas de la misma. 3. La formación de un ingeniero: sirve para comprender qué es la ingeniería como disciplina y como carrera, además para saber cuáles son los conocimientos, habilidades, destrezas, actitudes y dificultades que implica ser un ingeniero. 4. El enfoque ingenieril: en esta sección se habla de la metodología que utilizan los ingenieros para resolver problemas propios de su disciplina y especialidad. El texto es una guía para los profesores de ingeniería con el fin de que puedan entender cómo es la articulación de sus materias dentro de la formación integral del futuro profesional, propósito principal de toda estrategia curricular.

Es pot esperar res de bo d'una becaina? Tenir els pits petits pot induir a idear un sistema per teledirigir torpedes de manera segura? Un acte deslleial d'una tal senyora Smith pot fer avançar la tecnologia? Els bolquers dels astronautes fan perillar les agulles d'estendre roba? Perdre l'enravenada pot il·luminar un home i un poble? Aquest llibre té molta de sal i molta de gràcia, perquè és entretingut i divertit. Però, per damunt de tot, és un llibre científic capaç de demostrar que ni la història dels invents, ni l'enginyeria, ni cap altre aspecte de la creació tenen dret a ser avorrits. Així que, a més de lúdic, és un llibre lúcid! Quasi res! Un ou de dos vermells! Tomeu Mestre, Balutxo, escriptor

Emilio Jurado, a partir de experiencias de colaboración entre artistas y empresas de I+D en la elaboración de diversos proyectos artísticos, describe, analiza y reflexiona sobre todo el proceso creativo, dejando al descubierto las barreras comunicativas, pero al tiempo constatando los beneficios que para ambaspartes se obtienen cuando la experiencia consigue finalizar el proceso. Consideramos sus análisis, reflexiones y propuestas una valiosa contribución para encarar la integración del pensamiento divergente de modo que contribuya a optimizarlos procesos de innovación desde una óptica proactiva, capaz de afrontar los retos de un futuro incierto y cambiante que requiere nuevas soluciones y métodos.┐Puede el proyecto artístico y la colaboración con artistas generar en los profesionales de la innovación conocimientos, actitudes e incluso capacidades imprescindibles para adecuarse a los requerimientos actuales? Esta obra puede ayudarnos a encontrar la respuesta..INDICE RESUMIDO:. Divergentes: el planteamiento. Divergentes: el nudo. Divergentes: el desenlace. La indeterminación del proceso de trabajo.