¿Qué es lo real? Tradicionalmente, el documental se ha entendido como lo opuesto a la ficción, como aquel género que documentaba la realidad. Sin embargo, a poco que indaguemos en sus muchas ramificaciones, comprobaremos que lo real se nos escurre de los dedos, que de hecho es inalcanzable. En su lugar, tendremos que lidiar con la verdad que vive en la mirada de cada cineasta. Este libro propone un viaje apasionante a través de 50 obras que revelan la enorme complejidad del documental, sus formas mutantes y sus vericuetos éticos. Un trayecto en el que caben hombres con cámaras, metrópolis incipientes, esquimales cómplices de la ficción, fascismos y genocidas, leyendas del rock y del ring, surferos y revolucionarios, grafiteros y espigadores. Toda una aventura dispuesta a rasgar las paredes de lo real. A replantear, en cada paso, nuestra mirada sobre el mundo y aprender a campar por la incertidumbre.  

El óleo sobre lienzo Retrato de Zenobia es obra del pintor Juan

Bonafé (Lima, 1901 - Las Palmas de Gran Canaria, 1969). Bonafé conoció a
Zenobia y a Juan Ramón Jiménez, con quienes le unió una gran amistad incluso
durante el exilio del poeta. La relación entre Jiménez y Bonafé es conocida,
tanto por sus colaboraciones como por las cartas que se cruzaron, insertas en
los epistolarios de la Universidad de Río Piedras y en sus Archivos. Pertenece
a los artistas murcianos de la Generación de los 20, el «grupo de Murcia»,
junto con Pedro Flores y Ramón Gaya, los más relevantes de aquella pléyade de
artistas. La obra más destacada de Bonafé es la que tiene como tema principal
el paisaje; sin embargo, también sobresalen sus retratos. En ellos utiliza
veladuras que suavizan la pintura, aunque el dibujo es determinante. En su
estilo coexisten la concepción subjetiva de la imagen y la yuxtaposición de
los presupuestos realistas, hasta el punto de que es considerado precursor del
hiperrealismo. Profusamente ilustrado.

Cuando vi este gran libro de Cristóbal  Peña y Lillo, se me cruzó un pensamiento: vivimos ignorando la verdad con la ilusión de ser lo que no somos Hace unos meses estuve en casa de Cristóbal, en la sierra de Mendoza, cerca de esas montañas que hablan de luz. Me sentí conectado con su pensamiento, con su increíble universo de preguntas y respuestas. En cada pregunta que leí, me observe y en cada respuesta me encontré, sentí que era yo acercándome a mi esencia, deshaciendo mi apariencia. Cuando llegué a mi México querido, mis hermanos, mis amigos, me miraron como siempre me miran, con amor, y luego me preguntaron qué pasó. Les dije “nada, sólo he hallado respuestas a las preguntas que se hace todo el mundo, así que de regalo les traigo este maravilloso manuscrito de Cristóbal Peña y Lillo, Millo ‘Mi amigo’, para que  muchos encuentren la luz en sus vidas a través de respuestas muy sencillas pero de una gran verdad”. Fue maravilloso compartir esta aventura de soltar; soltar las ideas, la imagen, el pensamiento, los apegos, las costumbres, los miedos y la necesidad. Por eso, si todo es un sueño, soñemos que vamos soltando, que vamos avanzando y que en cada cosa que vivimos tendremos una pregunta para plantearnos a la que, de a poco, le iremos encontrando su respuesta. Adentrarse en estas magníficas páginas de Cristóbal Peña y Lillo, es sentirse un poco como esos niños que van soltando todo tipo de preguntas a sus papás, preguntas que al principio parecen no tener respuesta, pero que con el paso de las vivencias, de la dificultades, de las alegrías, de los aprendizajes,  irán encontrando su propia luz. Desde el corazón, Solar Ram…

Los textos contenidos en este libro, basados en gran parte en el Archivo Buñuel, se relacionan con el ámbito extrafílmico del trabajo de Buñuel y abordan temas poco tratados: la construcción, muy consciente, de una imagen pública; la dirección de actores; la colaboración con Fernando Rey como versión distorsionada del propio ser; la representación de Buñuel en la obra de su amigo Carlos Fuentes; la campaña publicitaria montada para hacer pasar "Los olvidados" como documental; el uso del cine de horror en "Viridiana" para expresar algo de su compleja reacción al volver a la patria; y, finalmente, la sátira del catolicismo nacional en "La Vía Láctea".
Esta obra ha sido coeditada con PUZ.

El óleo sobre lienzo titulado Peces, de Benjamín Palencia, fechado en 1923 y
que el artista dedica a Juan Ramón Jiménez, representa un conjunto de cuatro
peces, con impactante belleza y riqueza cromática. Son peces -naturaleza viva-
en los que están presentes todos los pigmentos de la paleta, desde el blanco
al azul intenso y puro. Con una fuerte carga de expresividad, se sitúa
estilísticamente en la etapa de la renovación formal de la pintura de los años
veinte. Palencia, una vez más, adopta un punto de vista próximo que nos acerca
a la naturaleza de las cosas, es la pintura con los materiales la protagonista
de lo que representa. Tiene rasgos surrealistas y a la vez noucentistas. El
tratamiento y las formas evocan al modernismo gaudiano, como si las pinceladas
fueran teselas vidriadas, y del cromatismo más vibrante y puro. Recuerdan,
abiertamente, los animales y seres idealizados por Antoni Gaudí. Es la materia
pura la que se expresa más allá de lo que representa. Profusamente ilustrado.

La mirada de un fotógrafo se fortalece con la observación y las resonancias que esta tenga en nuestro mundo interior. Sólo desde esa perspectiva lograremos reunir en el rectángulo del visor los elementos que nos sean significativos e interactúen entre sí. Al mirar y fotografiar debemos encontrar un significado en nosotros mismos. Y el arte de encuadrar será el posterior esfuerzo para entregarles esa misma historia a los espectadores. Así ya no veremos un conjunto de luces y objetos, si no un fotograma con discurso preciso. La técnica sí es importante, es nuestra herramienta y debemos explorarla y conocerla en sus principios. Por eso este libro está dedicado a los que se quieran dar un tiempo para conocer fundamentos de la cámara. Sólo así entenderemos la particular caligrafía del lenguaje fotográfico y finalmente nuestra imagen fotográfica se jugará en los acentos de luz indicados o en las sombras sugeridas.

Bob no es Elvis. Bob no es Sinatra. ¿De dónde viene entonces el sexappeal que
devora a las mujeres en Dylan? De su cerebro. El cerebro de Bob Dylan es su
sexappeal.Eso es lo que hipnotiza a sus mujeres. Cuando comprendí que yo no
iba a medir un metro ochenta y cinco ni iba a ser bello como Clint Eastwood
para atraer a mujeres, comencé a admirar a Dylan, y su estilo "sexappeal de
cerebro." El sexappeal del cuerpo lo destruye el tiempo. En cambio el
sexappeal del crebro se modifica una y otra vez, hasta el fin de los tiempos y
aún así, vuelve a restaurarse infinitamente.

¿Qué mejor técnica para subir a un escenario que la utilizada por los actores desde hace miles de años? La oratoria es la forma de comunicación más próxima al hecho teatral, y eso me ha llevado a desarrollar una nueva forma de abordar la tarea. En este manual encontrarás los planteamientos, ideas y consejos más útiles para aplicar la técnica del actor a tus presentaciones. Aquí descubrirás: - Cómo mostrarte más seguro, creíble, convincente y profesional. / - Dónde poner tu atención para comunicarte de forma más viva, más espontánea y más humana. / - Lo que nadie te ha enseñado sobre las presentaciones en público. ¿Te vienes?

El carácter intemporal y universal de la forma y su permanencia en el tiempo a través del diseño popular ofrece un nuevo acercamiento a la identidad y al sentido de lo humano, planteada en esta tesis desde el caso abulense. El lenguaje de la forma, la escultura, se presenta así como un proceso creativo innato y necesario de nuestra naturaleza, capaz de permanecer en el tiempo como testigo y conexión de personas más allá del tiempo y el espacio. Este es el sentido de estas tesis que parte de un espacio concreto, Ávila, para ofrecer unas conclusiones con repercusiones universales al plantear un viaje al sentimiento, la emoción y la racionalidad desde la contemplación reflexiva que nace con la necesidad del universal proceso creativo. Dos momentos marginales respecto de la tradicional concepción artística oficialmente aceptadas son los elegidos para desarrollar este trabajo por permitirnos acercarnos a la esencia de conceptos como identidad, supervivencia y creación. Hablamos del primitivismo que cronológicamente nace con los primeros gestos plásticos del ser humano hasta la integración de la cultura desarrollada en estas tierras dentro del contexto más amplio y dirigido de la romana. Como disciplina artística, la escultura permite una mirada diferente a la científica, capaz de estudiar elementos de indudable valor artístico por su belleza, concreción, poesía expresividad de la forma, la materialización de azar e intención... Aspectos que transforman aparentes objetos anodinos, más allá de su valor histórico y testimonial, en fuentes de contemplación, conocimiento y disfrute artísticos que superan incluso la inicial validez funcional en aquellos casos en los que así la hubo. Hablamos de la vitalidad que podemos percibir desde su presencia como elementos artísticos. Estamos condicionados por nuestra propia actitud cultural a la hora de contemplar un objeto. Somos herederos del clasicismo, pero también de una identidad menos reconocida y transmitida, entre otros, por manifestaciones como el arte popular que surgió con las primeras manifestaciones artísticas y que se ha mantenido hasta nuestros días. Es, por lo tanto, el estilo artístico de mayor presencia en cualquier cultura cuya esencia creativa ha conservado el mismo sentido arcaico y primitivo que poco a poco hemos ido olvidando para volver a buscarlo desde la contemporaneidad. Tres caminos temáticos complementarios nos llevan a profundizar en el tema hasta llegar a las conclusiones finales: Materiales y técnicas, temática y aspectos formales. En todos ellos se profundiza en la esencia íntima común tanto a lo primitivo y a lo popular como consecuencia de las particulares relaciones humanas de ambos momentos en relación al ambiente natural y también al económico-social caracterizado por una economía de autoabastecimiento. En lo cultural, la inusual adquisición de materiales y elementos que podemos denominar como «exóticos» aportarán protagonismo ornamental y simbólico, en contraste con el trabajo más habitual condicionado por la asequibilidad de materiales y el mayor desarrollo de sus técnicas vinculadas, que influidos también por una temática común, vinieron a producir resultados formales característicos, incluso transmitidos por tradición y buscados por el autor en cada nueva creación.La facilidad de técnicas como la incisión o el grabado, pero también la sencillez y contundencia de algunas formas provocan una asimilación más rápida y profunda en el inconsciente formal. Estas características condicionan una concepción formal que camina con cierta soltura entre los ámbitos de la abstracción y la figuración, sin llegar nunca a niveles altos de realismo y que en algunas ocasiones adquieren un protagonismo en su relación con los materiales muy próximos a los presupuestos escultóricos propugnados por concepciones y movimientos de gran vitalidad plástica del siglo XX. El concepto y el tema se unen íntimamente para desarrollar un juego más o menos complicado de lecturas icónicas según los casos. La vitalidad de la forma se renueva a lo largo de la historia con cada nueva mirada, que también, a la larga, llega a producir confusión y empobrecimiento por la pérdida de referentes originales. El tema supone la adecuación de la forma a su utilidad, tanto en relación a la funcionalidad de la vida cotidiana, como con los aspectos más intangibles de la existencia desde la proyección de la personalidad artística del autor y por extensión de la comunidad en la que vive inmerso, tal y como seguimos creando hoy. Desde la observación analítica deducimos los muchos valores y elementos que unen a autores de diferentes épocas y espacios por encima del nivel consciente. Esta idea nos plantea unas interesantes y poco conocidas relaciones humanas cuyo testimonio se mantiene a través del arte popular. Hablamos de una manifestación artística nacida con los tiempos humanos, aglutinadora de conceptos y temas pese a la distorsión ya mencionada por la pérdida o transformación del código original. No sucedió así con el diseño de formas y dibujos que se han venido transmitiendo en un estado formal bastante puro, a pesar de las modificaciones propias de la manipulación individual o de la adaptación en función del momento y sus circunstancias. Un acontecimiento fundamental es la presencia del hito, elementos que incluso llegarán a ser adoptados para trascender hasta la expresión culta como símbolos identificativos y expresión de los mismos impulsos intemporales aunque materializados bajo diferentes advocaciones. Podemos afirmar que, aunque el arte popular es bastante fiel a la forma y al diseño, lo es aún más a su esencia, lo cual explica la permanencia de una misma personalidad a través de piezas con diferentes grados de barroquización. Podemos concluir afirmando que nuestra experiencia creativa y apreciativa es universal, pero necesitamos volver a los orígenes desde nuestros actuales planteamientos para reencontrarnos con nuestra propia naturaleza humana, comprender nuestra necesidad creativa, revalorizar los valores artísticos y la trascendencia del hecho creativo, potenciar el conocimiento y desde todo ello, crecer como comunidad particular y global.