La autobiografía de Jorge Martí, líder de la icónica banda La habitación roja, revela que la vida real es la que uno tiene que mirar de frente cuando baja del escenario.

«Cambio de ánimo, de país y de profesión según las circunstancias. Un día estoy cantando sobre el escenario de un festival abarrotado de gente y al siguiente ejerciendo de enfermero en una residencia para pacientes con demencia y alzhéimer en Noruega. Esta doble vida, entre la música y la enfermedad, me obliga a ir y venir constantemente. Vivo entre dos mundos pero no encajo en ninguno, y todo parece estar siempre a punto de resquebrajarse. El escenario y el amor son una tregua, una burbuja a salvo de todo lo que me asfixia. Me he pasado la vida tratando de ser alguien más allá de mi casa para al final llegar a la conclusión de que lo que me importa es ser alguien en ella. Aquí es donde residen el gran amor de mi vida y mis hijas, y es donde sigo manteniendo intacta la esperanza de escribir algún día la canción de amor definitiva».

Jorge Martí es líder y cantante de una de las bandas más importantes del indie español: La habitación roja. Pero su vida no es la que se podría esperar del líder de una banda de rock, tiene una cara A: la que muestra en el escenario cuando canta junto a sus fans a pleno pulmón Ayer o Indestructibles, concede entrevistas y viaja promocionando sus discos. Y una cara B, desconocida para sus miles de fans, la del fracaso, las expectativas no cumplidas, la decepción, la enfermedad, y también el amor y la música, que tal vez sean la misma cosa.

La crítica ha dicho:

«La gran historia de amor del pop español.»

El País

«Un espléndido relato que hace de lo mundano algo sumamente singular. Que irradia una inmediata identificación con el lector gracias a su transparencia y honestidad. sus 438 páginas generan adicción. De la primera a la última.»
Mondosonoro

«Una biografía que respira verdad.»
Cadena SER

«La mayor revelación del texto es el modo en que todas sus vivencias se han ido transformando en música durante estas dos décadas y media.»
El Mundo

«El músico valenciano se abre en canal adentrándonos en la personalidad de una figura que vive dos vidas al mismo tiempo.»
EFE eme

«Jorge se ha inmolado en su autobiografía; se ha vaciado; se ha quedado seco. Canción de amor definitiva (Plaza & Janés) es un libro necesario para todos los que quieran algún día ser justos con ellos mismos.»

ZENDA

«Una biografía intensa, conmovedora y emocionante en la que nos revela esa doble realidad que atormenta al artista y con la que debe convivir. Escrita en primera persona por un Martí que desnuda su alma con crudeza y sin concesiones.»
Muzikalia

«Con un pulso honesto y una vívida memoria, Martí registraestas múltiples facetas que definen su historia pero que tiene a la música como elemento transversal.»
Indie hoy

«Todo el libro está impregnado por el juego de contrastes de una vida escindida entre los festivales de verano en España y los inviernos gélidos en el país escandinavo. Entre la vida de músico y el trabajo de enfermero. Entre la popularidad y el anonimato.»
Alicanteplaza

«Al leer a Jorge Martí entendemos que la vida es una búsqueda de la más perfecta imperfección posible.»
Zona de obras

«Me apetece decirle a Jorge Martí que muchas gracias por este ejercicio de honestidad brutal, por ese tributo a la música y a los cuidados.»

El Faro de Ceuta

Con motivo del 80 cumpleaños de Woody Allen, Natalio Grueso, amigo íntimo del cineasta, escribe un libro cómplice y personal sobre el genio neoyorquino, imprescindible para la inmensa legión de seguidores que tiene en todo el mundo.

Woody Allen es una de las personalidades más importantes de la cultura de nuestro tiempo. Cineasta, dramaturgo y escritor, tras Chaplin y Groucho Marx, es el último de los grandes maestros de la comedia y la inteligencia aplicada al séptimo arte. Este libro nos muestra al genio neoyorquino en su faceta menos pública y nos invita a conocer un Woody más cercano e íntimo a través de testimonios exclusivos de quienes han tenido el privilegio de conocerlo personalmente y trabajar con él a lo largo de su carrera: desde su pasión temprana por la magia y el humor hasta sus filias y fobias sobre cine, música o literatura pasando por anécdotas inéditas de sus rodajes y sus estancias en España.

Algunas frases de Woody Allen:

«Mi cerebro es mi segundo órgano favorito.»

«La última vez que estuve dentro de una mujer fue cuando visité la Estatua de la Libertad.»

«En Beverly Hills no tiran la basura, la convierten en televisión.»

«Odio la realidad, pero es el único sitio donde se puede comer un buen filete.»

«Más que vivir en el corazón de la gente, me gustaría seguir viviendo en mi apartamento.»

«Por alguna razón me aprecian más en Francia que aquí. Los subtítulos deben de ser realmente buenos.»

«No puedo escuchar tanto Wagner, ¿sabes? Me entran ganas de invadir Polonia.»

«No es que tenga miedo a morirme, es tan solo que no quiero estar allí cuando suceda.»

«Me interesa el futuro porque es el lugar donde voy a pasar el resto de mi vida.»

Una voz sorprendente, un bellísimo y osado ejercicio de literatura que mezcla obras de arte, vidas de artistas y la intimidad de la narradora.

Este es un libro hecho de miradas. Miradas sobre cuadros, sobre los artistas que los pintaron y sobre la intimidad de la narradora y su entorno.

Este es un libro singular y fascinante, inclasificable, en el que la vida y el arte se entretejen. Consta de once partes: once partes que son once capítulos de una novela que relata una historia personal y familiar, pero que también pueden leerse como once cuentos, u once incursiones furtivas en la historia de la pintura, u once ensayos narrativos que tratan de desentrañar los misteriosos vínculos entre una obra pictórica y quien la contempla.

En sus páginas el Greco trenza lazos secretos con un paseo por un bosque de secuoyas cercano a San Francisco, la enfermedad y la muerte; el aduanero Rousseau y el banquete que, entre la admiración y la mofa, organizó Picasso en su honor conectan con el miedo a volar... Y aparecen Toulouse-Lautrec deslumbrado por las estampas japonesas; el joven Fujita, que, atrapado por Cézanne, decide irse a París; Augusto Schiavoni, al que acaso una médium ponga en contacto con su gemelo muerto en una sesión de espiritismo en Florencia; la relación de Courbet con el mar... Todo ello actúa como catalizador de las vivencias de la narradora, de las historias de su familia de clase alta, de la evocación de Buenos Aires, de la pasión por el arte, el dolor de la pérdida, la lucha con la enfermedad, la vivencia del paso del tiempo, la banalidad cotidiana, el desasosiego.

Este es un libro que habla de arte con erudición y de la vida con sabiduría. Y lo hace sin grandilocuencia, porque, como decía Cézanne, «lo grandioso acaba por cansar». El sublime resultado nos descubre una voz originalísima, que despliega sus múltiples recursos con sutileza y osadía. 

El guión de una obra maestra del cine francés. Una pieza esencial para profundizar en el periodo de la Ocupación como gran tema modianesco.

Junio de 1944, Francia sigue ocupada por los alemanes. El joven campesino Lucien Lacombe, cuyo padre está prisionero en Alemania, intenta ingresar en la Resistencia, pero es rechazado por un cabecilla local. Cuando poco después lo detiene la Gestapo, denuncia a la persona con la que había contactado y los invasores no tardarán en reclutarlo. Ajeno a debates morales, no le hará ascos al uso de la violencia si eso le ayuda a sobrevivir. Pero su vida dará un nuevo vuelco cuando inicie una relación sentimental con la hija de un sastre judío...

Patrick Modiano coescribió el guión de Lacombe Lucien con el director Louis Malle, cuya anterior película, Un soplo en el corazón, lo había convertido en un cineasta polémico al abordar el tema del incesto. Con esta nueva obra redobló el escándalo, porque tocaba un tema aún más tabú: el de la verdadera magnitud del colaboracionismo en la Francia ocupada, un asunto espinoso que el discurso oficial urdido por De Gaulle había puesto especial empeño en reducir a unos pocos garbanzos negros debidamente purgados.

Modiano y Malle construyen un personaje brutal y amoral, un puro superviviente que no es ni héroe ni villano, e indagan en el fascismo como realidad cotidiana y en la perturbadora banalidad del mal.

Estrenada en 1974, Lacombe Lucien fue el debut de Modiano como guionista. Desde entonces, su relación con el cine ha sido escasa, pero en 2003 coescribió la notable Bon Voyage de Jean-Paul Rappeneau, de nuevo con la Francia ocupada como escenario, aunque en este caso en un tono tragicómico con tintes de farsa. La reincidencia no es casual, ya que el periodo de la Ocupación es uno de los territorios esenciales de la narrativa de Modiano. Y por lo tanto este guión que ahora presentamos no es una mera obra de encargo, circunstancial o menor, sino que ocupa un lugar de privilegio en el corpus literario modianesco.

Andrés Barba recupera aquí toda la audacia y libertad narrativa de maestros del género biográfico en una obra sobre la identidad, la paternidad, y los límites entre la narración histórica y la mera ficción.

En 1881, sin hablar una palabra de inglés y con cuarenta mil dólares procedentes de una estafa de valores, el arquitecto valenciano Rafael Guastavino viaja a Nueva York con intención de patentar allí la técnica medieval de la bóveda tabicada. Pero ese accidentado viaje –que culmina en su participación en edificios tan emblemáticos como Grand Central Station, la catedral de Saint John the Divine o el puente de Queensboro– es algo más que la enésima versión del cliché del «sueño americano». Guastavino es la demostración palpable de hasta qué punto una identidad arquitectónica nacional puede nacer de un modo completamente aleatorio e inesperado.

Andrés Barba recupera aquí toda la audacia y libertad narrativa de maestros del género biográfico como Aubrey, De Quincey, Schwob o Borges en una obra de no ficción especulativa acerca de la identidad, las dificultades de la paternidad y, sobre todo, de los difusos límites entre la narración histórica y la mera ficción a la hora de construir nuestros ídolos nacionales.

Una reflexión sobre el legado y la vigencia de las enseñanzas de la legendaria Bauhaus.

¿Sigue siendo relevante la Bauhaus? ¿Sigue estando vigente su legado como escuela que integraba diversas disciplinas? ¿Sigue siendo influyente en el mundo del diseño? ¿Dónde termina la realidad y empieza el puro mito en torno a las aportaciones de la Bauhaus? Tomás Maldonado fue uno de los fundadores de la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Diseño) de Ulm, que mantuvo una controvertida relación con la herencia cultural y didáctica de la Bauhaus y marcó de forma indeleble la historia del diseño en la segunda mitad del siglo XX.

Este libro reúne diversos textos de este destacadísimo maestro de diseñadores que nos hablan de aquella institución fundada por Walter Gropius y de su modelo pedagógico, de la relación del autor con la escuela de Ulm, del legado de Hannes Meyer o de la función política y la responsabilidad social del diseñador. A las opiniones se suma la correspondencia de Maldonado con destacados miembros de la Bauhaus como el propio Gropius y Josef Albers, así como con eminentes críticos de arte y arquitectura como Gillo Dorfles y Reyner Banham. Cierran el volumen otros escritos a cargo de distintos discípulos.

Maldonado escribió: «Lo que sigue ligándome profundamente a la Bauhaus no son tanto las mil pequeñas o grandes cosas que suelen reconocérsele, como la gran lección que los protagonistas de la Bauhaus –los Bauhäusler– nos han legado, a saber: el irrenunciable afán de buscar, por todos los medios, respuestas social y culturalmente innovadoras a las exigencias del momento histórico que nos toca vivir.»