El modelo de la "cruz inspirativa" útil para que profesionales, emprendedores y empresarios realicen diagnósticos rápidos y precisos y construyan estrategias sólidas y originales para desarrollar mejores y más rentables negocios.

Este libro comparte el modelo de estrategia e innovación que permitió a dos jóvenes magos -que vivían de propinas por su arte callejero- convertirse en empresarios exitosos y ser reconocidos a nivel mundial con el Merlin Magic Award, premio internacional entregado a magos de la talla de Siegfried & Roy, Penn & Teller, David Copperfield y Criss Angel, entre otros.

Pasjalidis presenta y desarrolla el modelo de la Cruz Inspirativa que ha aplicado con éxito en compañías de diferente tamaño y de diversas industrias, en un libro ameno y práctico, con ejercicios simples, pensados para que profesionales, emprendedores y empresarios realicen diagnósticos rápidos y precisos, y construyan estrategias sólidas y originales para desarrollar mejores y más rentables negocios.

"Diego Pasjalidis es un verdadero innovador. No sólo porque apuesta a una interpretación lúcida y aguda del mundo entrepreneur y de los negocios, sino también porque logra hacerlo de manera creativa y vivaz."

DANIELA BLANCO

Periodista, editora, infobae.com

Denuncia de la destrucción arquitectónica, ambiental y social ejecutada
durante la última década por el macrismo y el kirchnerismo contra la
ciudad de Buenos Aires y el conurbano.

¿En qué se parecen Nordelta y el Parque Indoamericano? ¿Existe conexión
entre las inéditas inundaciones y los emprendimientos inmobiliarios en
la ribera del Río de la Plata? ¿Cómo se explica el boom de la
construcción en la capital si la cantidad de porteños es la misma desde
1946? ¿Cuándo estallará la burbuja inmobiliaria que tiene vacíos uno de
cada cuatro departamentos nuevos de la ciudad? ¿Es posible recuperar lo
mejor de la Buenos Aires que alguna vez conocimos?

El paisaje urbano que conocíamos cambió más en la última década que en
toda la historia de Buenos Aires. Aquella ciudad festejada por la
dimensión de sus espacios públicos y su mezcla social, tan diferente al
resto de sus pares de América Latina, ha sufrido una transformación
radical. La demolición desenfrenada del patrimonio arquitectónico y el
brutal crecimiento de los barrios cerrados destruyeron también el
ecosistema del conurbano. Por negligencia y complicidad política, la
especulación inmobiliaria se convirtió en el único motor de cambio y
arrasó con una tradición cultural integradora, agravando la inseguridad
y el hacinamiento y generando tierras de nadie liberadas a su propia
suerte. Convertido en botín, el metro cuadrado aumentó exponencialmente
su precio y desmanteló barrios enteros para construir viviendas
suntuosas que hoy nadie habita.
En la tradición del mejor ensayo sociológico, la investigación
periodística y la denuncia política, Gabriela Massuh describe con rigor
e inteligencia las escenas de un trágico urbicidio. El robo de Buenos
Aires es, al mismo tiempo, un llamado de atención: la ciudad, ese
milagro de convivencia de la era moderna, alberga a quienes en nombre
del progreso, se convierten en sus más crueles verdugos.

La cantant i actriu Dolo Beltran, s'aventura a narrar-nos una història personal i íntima, feta d'imatges a llapis, poesia i petits epissodis que formen una vida.

Amb il·lustracions de Dolo Beltran

«I si miréssim un àlbum de fotos i tots els moments que hi ha immortalitzats es convertissin en poesia? Una manera rítmica i romàntica d'explicar una història.

Poesia feta d'imatges, de moments viscuts, flaixos d'una vida.

He volgut aventurar-me a descobrir quina història pot explicar un simple àlbum. Un àlbum que podria pertànyer a qualsevol persona que, metòdicament, hi ha anat enganxant fotografies... Perquè hi ha alguna cosa estranya quan observes les fotos i veus tota aquella gent mirant a càmera, intentant immortalitzar el moment, com si perdessin el món de vista.

I de cop, quan sona el clic de l'aparell, no hi ha passat ni futur... només la necessitat que aquell moment duri per sempre.»
Dolo Beltran

Deu anys d'anècdotes, secrets i confessions d'Els Catarres sota la mirada d'en Jordi Basté, en un llibre íntim, sincer i amb documents inèdits que promet un viatge a través d'una dècada tan salvatge i tan "catarra" com ells mateixos.

«...serà com folk ballable en català».

Aquesta és la primera definició de l'estil d'Els Catarres, feta per en Joan i l'Èric el 2010 per intentar convèncer la Roser d'unir-se al grup. Ara, més d'una dècada després, són al cim de la seva carrera: quatre discos, un EP, un disc d'or, centenars de concerts arreu, premis i, sobretot, el reconeixement del públic.

Els Catarres, amb les seves cançons ultralluminoses, optimistas i ballables, van ser el primer grup català de pop festiu que va sonar a les ràdios comercials del país i uns capdavanters en omplir escenaris com ara el Sant Jordi Club de Barcelona.

Però la història d'Els Catarres és també la història vital d'en Joan, la Roser i l'Èric, tres joves que, de la nit al dia, van ser catapultats a l'èxit per les xarxes socials i que, gràcies a la perseverança, el talent i la inspiració, han aconseguit consolidar-se en el panorama musical. Durant aquest recorregut hi ha hagut de tot, des de desenganys amb la indústria musical i bolos internacionals fins a ensurts, com quan l'amor va posar en perill la continuïtat del grup o l'exercici d'autoestima d'en Joan, que va inspirar la cançó «Jenifer».

Un Gompertz muy Gompertz. Un texto sobre los precursores del Pop Art y las revolucionarias ideas que dieron pie al movimiento.

En este texto, incluido en el exitoso libro ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos, el autor desgrana las obras que marcaron el inicio y posteriormente la consagración del Pop Art, así como la trayectoria de sus autores.

Gompertz nos sitúa en diferentes puntos estratégicos del mapa mundial para trazar las vidas de los precursores del movimiento: Paolozzi, Jasper Jones, Robert Rauschenberg, Warhol, Lichtenstein o Richard Hamilton —por mencionar algunos—; y relata con una prosa absorbente el minuto exacto en el que dieron a luz a sus obras más emblemáticas. Esta corriente artística, considerada por algunos como arte «fácil» para una masa pueril, en el fondo no defendía otra cosa que la democratización de la cultura y reivindicaba que no existía un arte elevado, sino que había valor en las imágenes que formaban parte del mundo cotidiano (aunque estas fueran el resultado impersonal de la producción en cadena). Así, una botella de Coca-Cola se elevaba al nivel de una escultura de Bernini. Siguiendo esta tesis, los artistas del Pop Art descontextualizaron los objetos de la sociedad de consumo para romper mediante la ironía y el color con la corriente artística imperante: el expresionismo abstracto.

Con un estilo narrativo propio de la literatura, el autor constata su maestría como uno de los mayores expertos en arte moderno y contagia su entusiasmo a lo largo de estas páginas. Una pieza clave para entender que el Pop Art siempre ha estado entre nosotros, pero necesitábamos a los artistas para descubrirlo.

«Gompertz ha escrito un enérgico y completo recorrido por el arte moderno».
The Independent

Sobre el autor se dijo:
«A Gompertz lo de aburrir no se le da nada bien».
The Times

«Will Gompertz es el mejor profesor que haya tenido jamás».
The Guardian

«Gompertz ha escrito un enérgico y completo recorrido por el arte moderno».
The Independent

«Will Gompertz un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. Una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad».
Antonio Lucas, El Mundo

«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor».
Nati Pulido, ABC

«Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas».
Ángeles García, El País

«Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo».
Javier Ors, La Razón

El extraordinario relato de la relación con España de Jean-Claude Carrière, el guionista de Buñuel.

A lo largo de su rica y variada vida profesional en el mundo del cine, Jean-Claude Carrière ha sido testigo privilegiado de la historia de España en los últimos cincuenta años. Colaborador predilecto de Luis Buñuel en los guiones de películas ya clásicas como Diario de una camarera, El discreto encanto de la burguesía, La Vía Láctea o Ese oscuro objeto del deseo, Carrière evoca en este libro su larga relación con nuestro país, desde que en su infancia viera aparecer a dos niños republicanos en su colegio hasta su época de intenso trabajo con Buñuel, que supuso para el joven guionista el descubrimiento de un mundo perdido, de una España que ya sólo existía en la memoria del cineasta aragonés, aunque todavía pudieran visitar juntos algunos de sus escenarios.

De la mano de Buñuel, Carrière conoció tambiéna otros personajes inmensos como Pepín Bello, José Bergamín, Fernando Rey o Francisco Rabal, protagonistas en este libro de inolvidables escenas nunca antes publicadas. Pero más allá de Buñuel, Carrière habla aquí sobre todo de la esencia del país y de la idiosincrasia de los españoles, de su compleja historia, de su arte, de su insondable misterio.

La crítica ha dicho:
«Un ramaje de impresiones que facilita un cercano y fidedigno retrato de la persona, sus costumbres y sus ideas, del hombre y del cineasta que fue Buñuel. [...] Interesante, se lee con mucho agrado y, [...] sin fatigar al lector, no sólo le entretiene o le emociona, sino que le regala un bien calculado y claro contingente de ideas para meditar.»
Manuel Hidalgo, El Cultural

«No hace falta decir que Carrière es un grande de la escritura. [...] En este libro afloran resplandecientes su personalidad, su inmensa cultura, sus propios conceptos y creencias, su visión de lo español,su admiración por algunas ciudades, por su gastronomía y su profundo conocimiento por algunos entresijos de su historia. [...] Libro hermoso, triste, que destila una moderada melancolía. Un comienzo de despedida, tal vez, sin dramatismos, nada lacrimógeno. Carrière parece en estas páginas sentirse viejo, desmintiendo de este modo su propio aspecto, la rotundidad de su voz, su mirada penetrante, su pragmática, afilada y sutil inteligencia.»
Paco Ortega, Lecturalia

Sobre el autor:
«Toda su obra, en el cine como en el teatro, no fue sino una indagación de las posibilidades infinitas de la imaginación. [...] Carrière siempre conservó la inocencia a la hora de hablar de literatura o de cine. A los ochenta años aún no había perdido la ilusión por ese mundo que había descubierto de niño y que le seguía pareciendo fascinante e inagotable. Fue una de sus grandes lecciones.»
Andreu Jaume, Crónica Global

«Jean-Claude Carrière era un hombre vitalista, arrollador, simpático, con un inmenso carisma, había conocido a multitud de personajes, historias y secretos. Era un gran bibliófilo, [...] y tenía la picardía candorosa de los soñadores, de los palabristas, de los que lo dan casi todo por una bella historia.»
Antón Castro, Heraldo de Aragón

«Un encantador de palabras. Un narrador nato.»
Lire

«Un hombre sabio, ocurrente, generoso y audaz.»
Jaume Ripoll Vaquer, co-director de Filmin

Este Manual de tipografía es una introducción a todo lo que cualquier estudiante o profesional del diseño gráfico debe saber sobre tipografía para desarrollar una sensibilidad y unos conocimientos tipográficos bien fundamentados. El libro expone los principios básicos de la tipografía y principales aplicaciones mediante una equilibrada combinación de historia, teoría y práctica. Así, el lector encontrará en estas páginas desde la descripción de las partes de la letra o la clasificación de los diferentes tipos, a la explicación de cómo se compone el texto en la página o cómo funcionan los sistemas de retículas. Pero también encontrará una breve y reveladora historia de la tipografía así como numerosos ejemplos y ejercicios prácticos que pretenden ayudar a adquirir un conocimiento experiencial de la disciplina. Esta segunda edición revisa algunos contenidos de la primera e incorpora nuevos diagramas explicativos y nuevos materiales sobre la composición de textos, la elección de tipos y el uso del color. El libro se apoya además en un nuevo sitio web www.atypeprimer.com (en inglés) que alberga materiales adicionales y una serie de ejercicios prácticos.

Leer es respirar, es devenir es la primera publicación que recoge los textos de Olafur Eliasson escritos hasta la fecha. A través de veinticuatro ensayos breves y de las evocativas imágenes de algunas de sus obras, el artista danés de origen islandés presenta los temas más recurrentes de su trayectoria artística y nos invita a reflexionar sobre su complejo universo estético y perceptivo: desde el papel que desempeñamos como observadores en un museo o nuestras reacciones frente al color y la luz, hasta los diferentes tipos de movimiento o la percepción del paisaje en el tiempo. Al igual que en su obra artística, en este libro con prefacio del propio Eliasson el artista nos anima a formar parte de sus reflexiones abiertas, a recorrer los diversos temas planteados y, sobre todo, a que tomemos partido como lectores y vayamos más allá de la propia obra.

El Diseño de exposiciones es una disciplina compleja y multidisciplinar, de carácter efímero, en constante evolución, y que responde a un contexto cultural y comercial cambiante. Este libro constituye una introducción básica al tema que examina el papel del diseñador como profesional creativo al servicio de una enorme industria y que ofrece los recursos necesarios para que los estudiantes y los profesionales del diseño de interiores puedan entender su complejidad específica y los diversos actores que intervienen en su proceso creativo. El libro está organizado en seis capítulos temáticos. El primero de ellos introduce el tema y sus problemas inherentes: los diferentes entornos de trabajo, los stands para las ferias de muestra y los montajes en exposiciones internacionales, museos o presentaciones de marcas. A continuación se analiza el contexto de las ferias y las exposiciones, sus problemas y el diseño de una narrativa, para terminar con la integración de las diferentes técnicas y profesiones que intervienen en el proceso, como son la iluminación, el diseño gráfico o los recorridos. Los últimos capítulos están dedicados al propio montaje y constituyen una guía básica para su ejecución. Acompaña a cada uno de los temas una exhaustiva serie de ilustraciones con ejemplos de montaje de exposiciones en museos, ferias o exposiciones internacionales. Como conclusión, y al final de cada apartado, se propone un ejemplo práctico resuelto por un estudiante, donde se plantean las preguntas claves para abordar el problema.

La asociación entre arquitectura y firmas comerciales es, hoy en día, algo más que una cuestión funcional. A la necesidad de personalizar el espacio donde una empresa expone su mercancía, se le ha sumado la tiranía del marketing y la creación en unos metros cuadrados de una tienda o expositor que refleje la personalidad y la filosofía del producto, los cuales son a su vez el mensaje de un estilo de vida ideal al alcance del consumidor. Desde hace pocas décadas, y a medida que la conducta y los hábitos sociales han ido cambiando en relación con el consumo, el diseño de tiendas se ha convertido en un género en sí mismo.

La industria de las máquinas tejedoras de punto existe desde principios del siglo XVI, pero el desarrollo de la tecnología y la manufacturación unido al tratamiento contemporáneo y a la tecnología de la hilatura, han revitalizado la industria. Actualmente, el punto se encuentra en todos los niveles del sector de la moda, desde la producción industrial seriada de la calcetería, la ropa interior o la ropa deportiva, hasta su uso en la alta costura o en los accesorios. Prendas de punto empieza con una breve historia del diseño de punto y sus prendas, mediante una introducción a los hilos, las fibras, la maquinaria y las herramientas. El libro nos guía a través de las etapas principales en el desarrollo del diseño creativo y da cuenta de numerosas instrucciones y habilidades prácticas: cómo tejer una muestra de tensión, cuáles son las técnicas básicas de la maquinaria doméstica o cómo crear patrones de punto. Se explican también las diferencias entre el diseño bidimensional y el tridimensional y se examinan las cualidades texturales y de construcción del punto. El capítulo final se centra en los detalles y en las fornituras, desde los adornos a los cierres. En definitiva, proporciona una introducción práctica y visual al género del punto a través del proceso de diseño, desde la investigación y el desarrollo hasta el patronaje, la construcción de prendas y las técnicas de acabado. Con trabajos de diseñadores influyentes y de ejemplos contemporáneos, este libro aporta los conocimientos básicos y de inspiración para el diseño y la creación de tejidos de punto innovadores y personales.